Se il daimon tace – Cristiano Porqueddu

I topoi del romanzo barocco sono la sensualità e la rappresentazione del corpo (soprattutto femminile) con l’intento di esaltarne la bellezza; l’esagerazione metaforica, con la creazione di immagini vivide che mirano a sorprendere chi legge; i mondi fantastici, con richiami alla fiaba e frequenti ispirazioni ai poemi cavallereschi; e ancora la morte, la ricerca dell’identità. Nell’ambito dell’arte figurativa emergono il movimento (energia e vitalità), il trionfo (scene di apoteosi e gloria) e il conseguente senso di stupore e meraviglia; il tema della morte e della brevità dell’esistenza; il chiaroscuro (contrasti di luce che creano effetti drammatici ed estremizzano il ruolo di una parte dell’opera); l’allegoria, il mito, il simbolismo.

Dalla letteratura all’architettura, dalla pittura alla scultura: forma, sì. Tecnica, sì. Ma dramma, fantastico, amore, carne, apoteosi, avventura, amore, morte. L’obiettivo non è né la forma né la tecnica. È sufficiente guardare e leggere ciò che, di quell’epoca, è giunto fino a noi.

Ora, spostandomi nel campo della musica (che è il mio ambito di competenza), mi è davvero difficile, dopo un simile preambolo, non rimanere deluso nell’ascoltare una preoccupante percentuale di interpreti che trasforma le pagine degli autori di quel periodo, indipendentemente dallo strumento, in esecuzioni che (per usare un termine matematico) tendono al file midi, cioè allo zero: l’assenza di indicazioni dinamiche, per ragioni tutt’altro che artistiche, porta quasi sempre a esecuzioni asettiche, da impiegato della musica, diceva un amico; rari gli slanci espressivi e, nel migliore dei casi, molto è ridotto a un’esasperazione di dinamiche a terrazza. Certe esecuzioni, dopo pochi minuti, diventano insopportabili: un blaterare continuo interrotto dalle pause della fine dei periodi o, più spesso, dei movimenti (movimenti che ricordano fin troppo il gesto di prendere aria a bocca aperta quando si è stati sott’acqua per troppo tempo).

Poi ascolto le interpretazioni di Glenn Gould.

E mi viene da pensare che, sostanzialmente, come accade nella letteratura, nella pittura e nell’architettura, il dovere di chi legge diventa responsabilità. La capacità di introdurre la propria personalità nell’esecuzione, arricchendo la visione del compositore, è un’operazione che richiede ben più della conoscenza del ruolo del soggetto e del controsoggetto, di come si sviluppa il secondo tema o di come si modula da una tonalità all’altra. Ancora una volta è chiaro che la conoscenza tecnica serve (non serve) se non mira a realizzare qualcosa inciso sull’elica del DNA.

Se il daimon tace, il master, il dottorato, la menzione, la lode, la tournée e la discografia diventano oppiacei.

The topoi of the Baroque novel are sensuality and the representation of the body (especially the female body) with the aim of exalting its beauty; metaphorical exaggeration, with vivid images designed to astonish the reader; fantastic worlds with echoes of fairy tales, often inspired by chivalric poems; and again, death and the search for identity. In the realm of figurative art we find movement (energy and vitality), triumph (scenes of apotheosis and glory) and the resulting sense of wonder and amazement; the theme of death and the brevity of existence; chiaroscuro (contrasts of light that create dramatic effects and intensify the role of a portion of the work); allegory, myth, symbolism.

From literature to architecture, from painting to sculpture: form, yes. Technique, yes. But drama, the fantastic, love, flesh, apotheosis, adventure, love, death. The goal is neither form nor technique. It is enough to look at and read what has reached us from that era.

Now, moving into the field of music (my own area of expertise), it is truly difficult, after such a preamble, not to feel disappointed when listening to a worrying percentage of performers who turn the pages of the composers of that period, regardless of the instrument, into performances that (to use a mathematical expression) tend toward the midi file, that is, toward zero: the absence of dynamic indications, for reasons far removed from artistic ones, almost always leads to aseptic executions, the work of a musical clerk, as a friend once said; expressive impulses are rare and, at best, much is reduced to an exasperation of terraced dynamics. Certain performances become unbearable after only a few minutes: a continuous babble interrupted by the pauses at the ends of phrases or, more often, movements (movements that all too clearly recall the act of gasping for air with one’s mouth open after being underwater for too long).

Then I listen to Glenn Gould’s interpretations.

And it occurs to me that, essentially, as in literature, painting, and architecture, the duty of the reader becomes responsibility. The ability to introduce one’s own personality into the performance, enriching the composer’s vision, requires far more than knowing the role of the subject and countersubject, how the second theme unfolds, or how a passage modulates from one key to another. Once again, it is clear that technical knowledge is useful (not useful) unless it aims to create something engraved on the helix of one’s DNA.

If the daimon falls silent, the master’s degree, the doctorate, the distinction, the praise, the tour, and the discography become opiates.